ARQUITECTURA
LEON BATTISTA ALBERTI
(Génova, Italia, 18 de febrero de 1404 - Roma, 25 de abril de 1472) fue un sacerdote, secretario personal de tres Papas —Eugenio IV, Nicolás V y Pío II—, humanista, arquitecto, tratadista, matemático y poeta italiano. Además de estas actividades principales, también fue criptógrafo, lingüista, filósofo, músico y arqueólogo. Es uno de los humanistas sobresaliente del Renacimiento.
Se mostró constantemente interesado por la búsqueda de reglas, tanto teóricas como prácticas, capaces de orientar el trabajo de los artistas; en sus obras menciona algunos cánones. Por ejemplo, en De statua expone las proporciones del cuerpo humano, en De pictura proporciona la primera definición de la perspectiva científica y por último en De re ædificatoria (obra que termina en 1450) describe toda la casuística relativa a la arquitectura moderna, subrayando la importancia del proyecto, los diversos tipos de edificios siguiendo las funciones que deben desempeñar.
OBRA:
IGLESIA DE SANTA MARÍA NOVELLA (1200 d. C), ITALIA
Es una de las iglesias más importantes de la ciudad italiana de Florencia, y se encuentra situada en el noroeste de la parte antigua de la ciudad, en la plaza del mismo nombre y próxima a la estación de ferrocarril. El responsable del proyecto fue Leon Battista Alberti, que, respetando rigurosamente las proporciones geométricas, después de años de estudios matemáticos, realizó una elegante y armónica fachada.
Fachada
FILIPPO BRUNELLESCHI
Filippo di Ser Brunellesco Lapi, Filippo Brunelleschi (1377 - 15 de abril de 1446) fue un arquitecto, escultor y orfebre renacentista italiano.
Es conocido, sobre todo, por su trabajo en la cúpula de la catedral de Florencia Il Duomo. Sus profundos conocimientos matemáticos y su entusiasmo por esta ciencia le facilitaron el camino en la arquitectura, además de llevarle al descubrimiento de la perspectiva cónica.
Fue contemporáneo de Leon Battista Alberti, Ghiberti, Donatello y Masaccio.
Su biografía viene descrita en el cuento de Giorgio Vasari: Vida de los mejores arquitectos, pintores y escultores italianos (Vite de' più eccellenti architetti, pittori, et scultori italiani, da Cimabue insino a' tempi nostri — 1542–1550).
OBRA:
CAPILLA PAZZI EN FLORENCIA
A la Capilla Pazzi se accede desde el claustro de la basílica de la Santa Croce (Florencia) ya que se encuentra ubicada en el jardín de ésta. Encargada por la familia Pazzi en 1441 a Filippo Brunelleschi, fue su última obra.
Tiene planta de cruz griega con una cúpula central y pórtico exterior, suponiendo una de las soluciones más avanzadas del arquitecto. En el interior combina un eje longitudinal que marca el camino del altar, con una tendencia a la centralización espacial mediante la cúpula. El sistema de módulos y la correspondencia entre las partes también se aprecia en el pórtico, con un arco central adintelado sobre columnas.
En el exterior tiene elementos combinados clásicos, como las columnas, con la ligereza propicoa del gótico y plasmó su originalidad en las formas de la pequeña iglesia, así como su cúpula que está inspirada en la arquitectura antigua(Panteón de Roma). En el interior de la capilla muestra más apego a lo clásico, no presenta elementos góticos, lo que crea un espacio armónico y estructurado pero un tanto pesado, al carecer de amplios ventanales o de altos arcos apuntados. Tiene una cierta obsesión por el cuadrado y el círculo.
Sorprende la euritmia de las líneas arquitectónicas, realzadas con la combinación de la piedra al descubierto de los elementos constructivos y la superficie blanca de los muros estucados, a la vez que la policromía de la cerámica invetriata presta su belleza en frisos y pechinas.
Es por diversos aspectos la más avanzada en las soluciones arquitectónicas de Filippo Brunelleschi, fue encargada al arquitecto por una familia de altos recursos económicos. Es un edificio de pequeñas dimensiones y con un pórtico cubierto por bóveda de cañón y construyó como recinto funerario de los Pazzi.
Este es un templo que tiene mucha significación en la historia del arte y su creador lo apoderó de una belleza armónica y eligió un buen entorno para su levantamiento. Está situada en el claustro de la basílica franciscana de la Santa Croce, rodeada de maravillosas obras arquitectónicas.
DONATO BRAMANIE
(Monte Asdruvaldo, actual Italia, 1444-Roma, 1514) Arquitecto y pintor italiano. Fue el mayor arquitecto del Renacimiento italiano, a caballo entre los siglos XV y XVI, heredero de Brunelleschi y Alberti e inspirador de muchas de las grandes figuras de la arquitectura posterior, de Sansovino a Antonio de Sangallo el Joven.
En 1503 proyectó el patio del Belvedere y en 1506 se hizo cargo del proyecto de la nueva basílica de San Pedro. Ninguna de las dos obras se llevó a cabo tal como Bramante había previsto, pero la genialidad de las soluciones por él propuestas imprimió una nueva orientación, más monumental y escenográfica, a la arquitectura del Renacimiento. Intervino también en la sistematización de algunos barrios de Roma, ofreciendo con su palacio Caprini un nuevo prototipo de residencia urbana.
OBRA:
LA BASÍLICA DE SAN PEDRO, EN LA CIUDAD DEL VATICANO, DONATO BRAMANTE
La basílica de San Pedro, en la Ciudad del Vaticano, que fue construida, entre otros, por el arquitecto italiano Donato Bramante, quien falleció un 11 de marzo de 1514, es considerada como la más grande iglesia de la cristiandad.
Esta construcción, que abarca una superficie de dos hectáreas y cuya altura es de casi 45 metros, es el lugar en donde reposan los restos de San Pedro, uno de los doce apóstoles e Jesús de Nazaret, y el primer obispo de Roma, por lo tanto, considerado el primer papa de la historia.
El plan de reconstrucción de la basílica de San Pedro se inició a finales del siglo XV, a cargo de los arquitectos León Battista y Bernardo Rossellino, quienes hicieron algunos de los cambios más importantes, como los techos abovedados, que retomó Bramante en 1506.
ANDREA PALLADIO
Andrea Palladioque nació en Padua (Italia, 1508) y murió en el año de 1580. Fue alcanzando notable prestigio en los ambientes ilustrados de la región del Veneto, siéndole encargados numerosos proyectos de palacios y villas señoriales suburbanas. A la muerte de Trissino y ya con un importante bagaje a sus espaldas, entabló contacto con Daniele Barbaro, cardenal humanista y profundo estudioso de la arquitectura antigua, muy especialmente, de los escritos de Vitrubio.
OBRA:
PALACIO CHIERICATI(1680). VICENZA, ITALIA
El principal atractivo de este palacio privado, radica en cómo Palladio fue capaz de adaptar a una construcción residencial urbana, características propias de la arquitectura de las villas campestres, dando como resultado una estructura abierta al exterior mediante galerías inspiradas en los órdenes clásicos: dórico en el registro bajo, y jónico en la planta noble, quedando coronado el dintel superior con esculturas clasicistas.
PINTURA
MASSACCIO
Tommaso di ser Giovanni di Mone Cassai llamado Masaccio (San Giovanni in Altura, hoy San Giovanni Valdarno, Arezzo, 21 de diciembre de 1401 – Roma, otoño de 1428) fue un pintor historia de la pintura: generalmente se considera que fue el primero en aplicar a la pintura las leyes de la perspectiva científica, desarrolladas por Brunelleschi.
Probablemente, en 1428, Masaccio realizó su última obra: un fresco de la Trinidad en Santa Maria Novella, que ha pasado a la posteridad como un ejemplo emblemático de perspectiva y composición. Poco después de acabar esta pintura, Masaccio se trasladó a Roma, donde murió de repente, se ha llegado a decir que por envenenamiento. Era una figura prácticamente desconocida, pero su obra no tardó en proyectarlo al primer plano de la actualidad y ejerció una gran influencia durante el Renacimiento
OBRA:
MASACCIO, EL TRIBUTO A LA MONEDA (DETALLE), CAPILLA BRANCACCI, SANTA MARIA DEL CARMINA, FLORENCIA (1427-1428).
Masaccio representa en un solo espacio tres acontecimientos sucesivos. La escena se divide en tres partes: en el centro del fresco el cobrador, de espaldas, con túnica roja, solicita el pago del impuesto, y Jesús ordena a Pedro, con un gesto que el apóstol repite, lo que ha de hacer; a la izquierda de esta escena (no aparece en la imagen) aparece Pedro, esforzándose en sacar la moneda del pez que acaba de pescar; a la derecha, finalmente, Pedro paga el tributo al cobrador ante un edificio en perspectiva.
Es una de las escenas más famosas de los frescos más destacados de pintados por Masaccio en la Capilla Brancacci (iglesia de Santa María del Carmine en Florencia)
Masaccio usa los frescos y los colores clásicos para enfatizar el espacio en la pintura: los colores cálidos avanzan, los fríos retroceden. Es por ello que pinta a los apóstoles en capas azules y rojas de pie frente a un fondo grisáceo.
Describe la escena narrada en un pasaje del Evangelio de Mateo (Mateo 17:24-27: al ser solicitado a Jesús y sus discípulos en Cafarnaúm el pago del tributo para el templo, éste ordena a Pedro que pesque un pez, en el cual encontrará la moneda del tributo.
PAOLO UCELLO
(Paolo di Dono; Pratovecchio, actual Italia, 1397 - Florencia, 1475) Pintor italiano. La primera noticia documental que se tiene de Paolo Uccello es de 1412 y lo sitúa en el taller de Ghiberti, donde debió de formarse, aunque no consta que fuera escultor.
En 1425 estaba en Venecia trabajando en unos mosaicos para San Marcos, que no se conocen. En 1432, de nuevo en Florencia, Paolo Uccello realizó el luneto de la Creación en el Claustro Verde de Santa Maria Novella, una obra llena de expresividad pero todavía algo tosca.
OBRA:
LA BATALLA DE SAN ROMANO, DE PAOLO UCCELLO, 1436. EL ENORME FRESCO ESTÁ EN LA CATEDRAL DE FLORENCIA.
La obra que plasma con mayor elocuencia esta atracción por la perspectiva, y también la más admirada de Uccello, son las tres tablas de La batalla de San Romano (un enfrentamiento armado entre Florencia y Siena), donde las armas rotas, los cadáveres y las patas de los caballos aparecen situados en un escenario enmarañado y complejo.
FRA ANGELICO
Fran Angélico es un importante pintor de la Escuela de Florencia del siglo XV que aunque se le considera renacentista todavía muestra un formalismo bastante de medieval, es decir goticista.
Fra Angélico utiliza colores decoristas y brillantes para representar muy bien los sentimientos espirituales.
Supone la idea de integrar un humanismo cristiano (quiere recuperarlo por el peligro de paganismo que traen los nuevos vientos del Renacimiento) con las características artísticas del siglo XV. Por tanto, se considera su obra un intento de armonizar lo religioso medieval con la nueva estética renacentista italiana.
OBRA:
RETABLO DE SAN MARCOS (1438-1443) FRA ANGELICO. PINTURA AL TEMPLE SOBRE MADERA. SE ENCUENTRA EN EL MUSEO SAN MARCO , FLORENCIA , ITALIA.
También conocida como Virgen y los Santos. Fue encargada por Cosme de Médicis el Viejo, y fue completado en algún momento entre 1438 y 1443. Además del panel principal que representa el trono Virgen y el Niño rodeada de ángeles y santos, hubo 9 paneles de la predela que lo acompaña, que narra la leyenda de los santos patronos, San Cosme y San Damián. Sólo el panel principal y dos paneles de la predela en realidad permanecen en el convento de San Marco, Florencia, Italia, en la actualidad. El Retablo de San Marco es conocida como una de las mejores pinturas del Renacimiento temprana para su empleo de la metáfora y la perspectiva, Trompe l'oeil, y el entrelazamiento de dominicanos temas y símbolos religiosos con mensajes políticos contemporáneos.
SANDRO BOTICELLI
(Alessandro di Mariano Filipepi; Florencia, 1445 - id., 1510) Pintor italiano. Muy valorado en la actualidad, Sandro Botticelli no se cuenta entre los grandes innovadores del Renacimiento, sino que se inscribe más bien en un grupo de pintores que rehuyó el realismo a ultranza y se inclinó por un estilo basado en la delicadeza, la gracia y un cierto sentimentalismo.
Uno de ellos fue Filippo Lippi, maestro e inspirador de la obra de Botticelli. Éste comenzó su trayectoria artística con obras de temática religiosa, en particular vírgenes que, como la Virgen del Rosal, denotan un gran vigor compositivo.
OBRA:
EL NACIMIENTO DE VENUS (1485), BOTTICELLI
Retrata uno de los más pintorescos mitos clásicos que nos transporta en un mundo de sueños y poesía. Antiguamente el único cuerpo desnudo femenino pintado por muchos artistas había sido EVA. Sus típicas escenas incluían la famosa serpiente que la tentaba o expulsaba del paraíso por desobedecer a Dios. Su desnudo se asociaba más a un acto de vergüenza del pecado original. En El nacimiento de Venus, por primera vez, se muestra lo opuesto. Venus se encuentra radiante y su imagen esta llena de vitalidad. Boticcelli invita a sus espectadores a considerar una armonía entre la mente y el cuerpo.
ANDREA MANTEGNA
Andrea Mantegna, uno de los más grandes pintores del Quattrocento italiano, vino al mundo en 1431 en una pequeña localidad del Véneto entre Vicenza y Padua. De orígenes humildes, muy pronto quedaría huérfano, siendo criado por su hermano mayor y por Francesco Squarcione, pintor y coleccionista paduano.
OBRA:
POLÍPTICO DE SAN LUCAS(1453). SE ENCUENTRA EN EL MUSEO DE PINACOTECA DI BRERA. TÉMPERA SOBRE MADERA.
En 1453, a la par que Mantegna continuaba con los trabajos en la Capilla Ovetari, recibió el encargo por parte de los benedictinos de la Abadía de Santa Justina de Padua de realizar un retablo dedicado a San Lucas Evangelista.
En ésta obra, hoy expuesta en la Pinacoteca Brera de Milán, se observa como el autor, pese a incluir ciertos rasgos arcaicos como pueden ser los fondos dorados, deja ver su destreza a la hora de representar las figuras humanas en perspectiva.
El retablo está presidido por la tabla de San Lucas y coronado por Cristo con María y San Juan Evangelista, formando una deesis. Diversas figuras de santos y santas acompañan a estas dos obras, destacando el fondo dorado empleado - reminiscencia goticista motivada por el deseo del cliente - del que emergen los santos, intentando crear un efecto de perspectiva al proyectar sus pies hacia el espectador. Las figuras gozan de esa monumentalidad que caracteriza al maestro, recordando a la escultura clásica, que Mantegna conocía tan bien, lo que provocará el aporte de detalles eruditos. El colorido brillante empleado hacen pensar en un contacto con su futuro cuñado, Giovanni Bellini, resultando un conjunto de tremenda modernidad renacentista que satisfizo a los devotos fieles de la iglesia.
LEONARDO DA VINCI
(Vinci, Toscana, 1452 - Amboise, Turena, 1519) Artista, pensador e investigador italiano que, por su insaciable curiosidad y su genio polifacético, representa el modelo más acabado del sabio renacentista. Muchos de los proyectos que emprendió quedaron inacabados cuando otros nuevos atrajeron su interés; y, en cuanto a los inventos, se limitó a concebir ideas útiles, pero no se esforzó por plasmarlas en modelos viables que pudieran funcionar, por lo que la mayoría de sus investigaciones fueron especulaciones teóricas sin consecuencias prácticas. En ellas se concentró a partir de 1516 cuando, con las manos afectadas por una parálisis, pasó a vivir en Francia bajo la protección de Francisco I.
OBRA:
LA DAMA DEL ARMIÑO (EN ITALIANO, LA DAMA CON L'ERMELLINO) ,1488-1490, LEONARDO DA VINCI.
Está pintado al óleo sobre tabla que mide 54,8 cm. de alto y 40,3 cm de ancho y data del periodo. Se conserva en el Museo Czartoryski de Cracovia (Polonia), donde se exhibe con el título de Dama z gronostajem.
Se cree que la obra representa a Cecilia Gallerani, la amante de Ludovico Sforza, duque de Milán. La pintura es uno de los cuatro retratos de mujer pintados por Leonardo, siendo los otros tres La Gioconda, el retrato de Ginevra de' Benci y el de la Belle Ferronière. A pesar de ciertos daños - una puerta en el fondo fue pintada, un velo transparente sobre la cabeza del modelo se ha vuelto un peinado extravagante y varios dedos fueron repintados groseramente-, se encuentra en mejores condiciones que otras pinturas de Leonardo. Algunos daños los sufrió durante la Segunda Guerra Mundial.
MIGUEL ÁNGUEL BUONARROTI
Miguel Ángel Buonarroti/Michelangelo Buonarroti . Artista italiano . Nació el 6 de marzo de 1475 en Caprese, cerca de Arezzo.
Paralelamente a su trabajo como escultor, tuvo la oportunidad de demostrar su pericia como pintor al encomendársele un fresco para el Salón de los Quinientos del Palazzo Vecchio, la Batalla de Cascina, frente a otro encargado a Leonardo da Vinci sobre la Batalla de Anghiari. Ninguno de los dos artistas llevó a cabo su cometido sólo se realizó un dibujo preparatorio sobre cartón a escala natural. En 1505 interrumpió su trabajo en Florencia al ser llamado a Roma por el papa Julio II para realizar dos encargos. El más importante de ellos fue la decoración al fresco de la bóveda de la Capilla Sixtina, que le tuvo ocupado entre 1508 y 1512, 24 años antes de comenzar, en 1536, el Juicio Final.
MIGUEL ÁNGEL, LA BATALLA DE CASCINA (1504)
La batalla de Cascina es un fresco diseñado por Miguel Ángel para el Palazzo Vecchio de Florencia. No llegó a pintarlo e hizo sólo el cartón (modelo) previo, que fue destruido y es conocido por la copia pintada al óleo por Bastiano da Sangallo y por dos grabados parciales de Marcantonio Raimondi.
RAFAEL SANZIO
Rafael es considerado históricamente, junto con Leonardo y Miguel Ángel, como uno de los pilares del Cinquecento italiano. además de Es uno de los grandes genios de la pintura de todos los tiempos. Deudor en sus inicios de influencias quattrocentistas, se erigirá en representante perfecto del arte clasicista antes de que éste entre en su etapa de "decadencia" (y Rafael con él en sus últimos años, arrastrado por el potente manierismo miguel angelesco).
Rafael Sanzio nace en Urbino en 1483, hijo de un pintor no demasiado excelente, Giovanni de Santi, pero que tuvo el buen criterio de encaminar los pasos de su vástago hacia el mundo del arte.
Es hacia 1505 cuando se puede encontrar instalado a Rafael en Florencia, ciudad donde va a llevar a cabo un buen número de encargos, algunos de los cuales darán lugar a esas composiciones marianas que tanta fama le han otorgado, caso de la llamada Madonna del Gran Duque (1504), la Madonna del Jilguero (hacia 1506), la Madonna de Casa Colonna (sobre 1507), La Bella Jardinera (finalizada por Ghirlandaio) o la Madonna del Baldaquino (encargada alrededor de 1508 por los Dèi florentinos para el altar de la capilla que poseían en la iglesia del Santo Spirito y que no llegará a acabar).
MADONNA DE CASA COLONNA, 1507. RAFAEL ZANCIO. PINTURA AL ÓLEO.
En esta pintura el pequeño Jesús llama nuestra atención jugando con el escote de su madre mientras ella detiene momentáneamente su lectura para dirigirle una dulce y cariñosa mirada. La escena se desarrolla al aire libre, apreciándose los árboles de la región de Umbria que también aparecen en las obras de Piero Della Francesca. Las figuras se sitúan en primer plano, proyectándose las piernas de la Virgen hacia el espectador para acentuar el escorzo, creando un entramado de líneas onduladas que anticipan el Manierismo. La humanización que interpreta Sanzio en la mayor parte de sus trabajos alcanza en esta tabla un punto determinante al suprimir cualquier referencia sacra para presentarnos a la madre y al hijo de la manera más natural posible, no exentos de un elevado grado de idealización. Las brillantes tonalidades empleadas crean un atractivo contraste con las sombras, cercanas a Leonardo, de quien también toma el efecto atmosférico que se crea en el ambiente.
TIZIANO
(Pieve di Cadore, actual Italia, h. 1490-Venecia, 1576) Pintor italiano. Aunque Tiziano alimentó durante los últimos años de su vida la idea de que había nacido en 1475, para hacer creer que era un anciano venerable e inspirar respeto y compasión, la crítica moderna ha establecido casi con total seguridad que nació en 1490 y que murió a una edad más que respetable, con ochenta y seis años. Recibió su primera formación en el taller de Giovanni Bellini, del que salió a los dieciocho años para integrarse en la escuela de Giorgione.
La grandeza que obtuvo de Tiziano como pintor, su fama de artista único e inimitable y la gran influencia que ejerció sobre sus coetáneos y sucesores contrastan con su carácter de hombre avaricioso, que siempre se quejaba de ser pobre pese a las grandes riquezas que había acumulado, y que se servía en ocasiones del engaño para obtener ventajas.
OBRA:
LAS TRES EDADES DEL HOMBRE, TIZIANO VECELLIO(TITIAN). ÓLEO SOBRE LIENZO, 1512.
En el cuadro pintado están representadas las tres edades de la vida del hombre por diversas figuras. En primer plano, podemos ver a una joven con dos flautas, acompañada de su amante, representan la juventud, considerada como la etapa más perfecta de la vida humana. En segundo plano, observamos a tres niños abrazados que duermen bajo la protectora mirada de un amorcillo. La infancia se muestra así tierna pero debe ser vigilada al tratarse de un momento delicado. Al fondo, un anciano con una calavera(representa la muerte) en cada mano, medita sobre la vida y la muerte. El pintor resalta a la juventud como la mejor etapa de la existencia humana y pretende llevarnos a un entorno que no tiene fin pues no hay límite más que el horizonte y el cielo que juntos, señalan el infinito enigma que es la vida y el tiempo humano.
TINTORETO
Jacopo Robusti o más conocido con el nombre de Tintoretto, el otro gran maestro, junto a Tiziano, de la Escuela veneciana del Renacimiento italiano. Nació en Venecia en el año 1518, era hijo de un tintorero de sedas, de donde le viene el sobrenombre. Sobre el principio de la vida artística de Tintoretto hay mucha leyenda; se dice que entró en el taller de Tiziano pero fue expulsado por el maestro a los diez días porque envidiaba sus dibujos, así que abrió un taller en el que se ofrecía con el eslogan: "El dibujo de Miguel Ángel y el color de Tiziano". Lo más probable, abandonando aspectos legendarios, es que iniciara su aprendizaje con algún pintor manierista que le puso en la pauta del nuevo estilo. En 1539 ya se establece como maestro y su pasión por pintar es tal que pinta casi gratuitamente, cobrando sólo el material y algo para mantenerse; esta actitud atrae a una importante clientela que levanta los recelos del gran Tiziano. Tintoretto se convierte en el pintor de los escorzos y de las diagonales: la violencia de sus obras es tan personal que hace que sean identificadas de manera fácil. Se puede decir que es el Rubens veneciano. Su fama aumentó en proporción a los encargos, lo que le obligó a abrir un importante taller en el que trabajaban sus hijos Domenico y Marco, y su hija Marietta, más conocida como la Tintoretta. El Palacio Ducal y las grandes Scuolas son sus principales clientes, destacando la decoración realizada para la Scuola Grande di San Rocco, en la que se puede apreciar al mejor Tintoretto. Casado con Faustina Episcopi desde 1550, su vida se desarrolla entre su casa y su estudio, ambos en el mismo edificio, la Fondamenta dei Mori. El 31 de mayo de 1594 falleció Jacopo Robusti, el Tintoretto, en la Venecia que le vio nacer y triunfar.
OBRA:
EL ORIGEN DE LA VÍA LÁCTEA. RENACIMIENTO TARDÍO-TINTORETTO. ÓLEO SOBRE LIENZO. (1575 A 1580).
Pertenece al manierismo La obra se exhibe en la National Gallery de Londres, aunque en el pasado fue parte de la colección de arte de Orleans. La pintura es sinónimo de belleza, genialidad, creatividad y misterio.
La obra presenta una escena mitológica en la que aparecen Júpiter, Hércules niño y la diosa Juno y entre otros. Según la leyenda Júpiter había mantenido relaciones con la mortal Alcmena (uno de sus habituales escarceos sexuales) y fruto de aquella relación ocasional había nacido Hércules. Júpiter quería que el pequeño disfrutase de la inmortalidad, así que le dio a probar la leche de los senos de su esposa Juno mientras esta dormía.
Sin embargo, la diosa se despertó sobresaltada, y algunas gotas de leche salpicaron el firmamento, dando lugar a la aparición de la Vía Láctea (de ahí su nombre).
Hasta la actualidad aún no se sabe quién encargó la hermosa pintura. En 1972 se descubrió que Tintoretto había pintado una versión previa bajo la imagen definitiva.
La presencia de Hércules se relacionaba con la dinastía Habsburgo en no pocas obras de arte. La obra representa varias constelaciones (Cáncer, Acuario y Sagitario) e incluso el horóscopo del emperador.
GIOVANNI BELLINI
(Venecia, Italia, h. 1430 - 1516) Pintor italiano. En la pintura italiana de la segunda mitad del siglo XV alcanzó especial renombre Giovanni Bellini, impulsor de la escuela veneciana y famoso pintor de madonnas, que creó un lenguaje pictórico basado en la fusión de la figura humana con el paisaje, dando gran importancia a la luz y al colorido.
OBRA:
TRANSFIGURACIÓN (C. 1474)
La Transfiguración (hacia 1474, Museo Nacional de Capodimonte, Nápoles), con personajes en los que late un clima de sacro idilio del cual se hace gozosa partícipe a la naturaleza entera. Es clara la armónica fusión de las figuras humanas con un paisaje doméstico inspirado en las colinas vénetas, dulcemente modulado bajo la desbordante luminosidad del cielo, que hizo del menor de los Bellini el iniciador del paisajismo veneciano y uno de los máximos pintores de este género.
GIORGONE
(Castelfranco Veneto, actual Italia, h. 1477-Venecia, 1510) Pintor italiano. Es una de las figuras más oscuras de la historia del arte, ya que nada se sabe de su vida y muy poco de su obra, sobre la que existen numerosos problemas de atribución, entre otras razones porque dejó varios cuadros inacabados, que completaron otros pintores. Pese a ello, puede afirmarse sin lugar a dudas que el artista fue un innovador, una figura fundamental en la evolución de la pintura veneciana.
OBRA:
LA TEMPESTAD (C. 1508), DE GIORGIONE
El lienzo representa a un soldado y a una mujer que amamanta a un niño en un paisaje de tonalidades verdosas. La atmósfera es la protagonista indiscutible del lienzo con el rayo que ilumina las nubes, y, por tanto, parece irrelevante decidir si se trata del hallazgo de Moisés niño, de la Sagrada Familia en su huida a Egipto, de un episodio de la leyenda de Genoveva o, como se ha llegado a afirmar, de una imagen sui géneris de Adán y Eva; los personajes de La tempestad han sido también interpretados, en clave alegórica, como personificaciones de la Caridad.
En La tempestad, la tradicional relación de jerarquía entre las figuras y el paisaje ha sido abolida en beneficio de este último. Giorgione fue el primer pintor que subordinó el tema a la evocación de un estado anímico, y así, durante la ejecución cambiaba a menudo de idea, transformando la composición originaria. Se ha descubierto que el soldado que Giorgione pintó en La tempestad era en su origen otra figura femenina, por lo cual no sorprende ni que sus contemporáneos ignorasen el asunto de sus cuadros ni que, posteriormente, los críticos no hayan llegado a definir sus significados. Este dejarse llevar por el temperamento y la imaginación supuso el nacimiento del "paisaje anímico", y ha sido considerado como la más original y trascendente contribución del maestro veneciano.
Su verdadero nombre es Antonio Allegri, debiendo su apodo a la localidad donde nació en 1494, Correggio, cerca de Parma. En Mantua conoció las obras de Mantegna, cuyos escorzos le fascinaron, pero fue en Parma donde cosechó su primer éxito, con la decoración al fresco de una de las bóvedas del convento de San Pablo. En esta ciudad estuvo muy al tanto de las novedades que se realizaban en Roma, Venecia y Nápoles, influyéndole sobre todo el estilo de Leonardo. Los encargos se sucedieron entre las numerosas iglesias parmesanas, incluida la catedral; posteriormente, realizará cuadros para la decoración del castillo de Parma y numerosas obras de altar. En sus escenas, las formas se envuelven en un claroscuro que intensifica las tonalidades y crea sólidas composiciones. Sus figuras son bellas y están llenas de encanto, como podemos apreciar en el Noli me tangere del Museo del Prado, convirtiéndose en uno de los creadores del Cinquecento que más influirá en el Barroco italiano. Correggio falleció en su localidad natal en 1534.
OBRA:
ADORACIÓN DE LOS MAGOS, POR ANTONIO ALLEGRI DA CORREGGIO, 1516-1518. PINACOTECA DE BRERA (MILÁN, ITALIA)
Es una obra maestra religiosa del alto renacimiento titulada, “la adoración de los reyes magos”. Se usó aceite en lona.
LA VIRGEN, EL NIÑO Y SAN JUAN (1515 – 1517), CORREGGIO. ÓLEO SOBRE TABLA. ESCUELA ITALIANA
La pintura ilustra el primer encuentro entre el Niño Jesús y su primo, concretamente, el momento en que la Virgen presenta a su hijo a un San Juan Bautista de cabello oscuro que porta una pequeña cruz. La actitud de Jesús, en disposición de abrazar tanto a su primo como a la cruz, adquiere un doble significado afectivo y teológico. Práctica habitual en Correggio fue la reutilización de modelos, lo que explica el parecido del Niño Jesús con el que aparece en la Sagrada Familia con San Juanito del Museo de Bellas Artes de Orleáns.
ESCULTURA
DONATELLO
(Donato di Betto Bardi; Florencia, 1386-id., 1466) Escultor italiano. Junto con Alberti,
Brunelleschi y Masaccio, fue uno de los creadores del estilo renacentista y uno de los artistas más grandes del Renacimiento. Su formación junto a Ghiberti le dejó un importante legado técnico pero casi ningún vestigio estilístico, ya que desde sus comienzos desarrolló un estilo propio basado en la fuerza emocional, y en un singular sentido del movimiento.
OBRAS:
DETALLE DE DAVID (BRONCE, C. 1440) Y MARÍA MAGDALENA (MADERA POLICROMADA, C. 1455)
MIGUEL ÁNGEL BUONARROTI
Durante casi un siglo, de 1490 a 1564, trabajó Miguel Ángel Buonarroti. Eran los tiempos en los que la fe religiosa, de carácter aun medieval, se disolvía ante el ímpetu de la reforma; cuando el astrónomo Copérnico reveló a sus contemporáneos la verdadera posición de la tierra en el sistema heliocéntrico y cuando el pensamiento abandonó la rigidez de la escolástica medieval. Ningún otro como Miguel Ángel, supo representar en sus obras esta evolución y nadie como él la vivió en persona.
OBRA:
LA PIEDAD, MIGUEL ÁNGEL. Arte renacentista del siglo XVI
En la realización de esta obra él ha usado un tema que hasta esa época se ocupaba especialmente al norte de los Alpes, en el que la representación del dolor siempre se había asociado con la idea de la redención, pero Miguel Ángel nos plantea una visión completamente nueva de la Virgen con su Hijo. “Su rostro es juvenil pero completamente fuera de tiempo, su cabeza se inclina ligeramente sobre el Hijo, cuyo cuerpo privado de vida reposa en su regazo y si se piensa en la belleza de los miembros y de todo el cuerpo no puede verse un desnudo mejor surtido de músculos, venas y nervios sobre los huesos ni un muero que parezca más muerto. La cabeza con su aire tan dulce y una tal concordancia en la unión de los brazos, del cuerpo, las piernas, los puños y las venas tan bien realizadas que uno se maravilla al pensar que una mano de artista haya podido hacer tan divinamente y en tan poco tiempo una cosa tan admirable. Estas palabras de Vasari deben ser tomadas al pie de la letra para mejor comprender el significado de este grupo... Aquí no aparece el dolor como condición de la redención sino la belleza como su consecuencia.”
ANDREA VERROCCHIO
Andrea del Verrocchio /Andrea di Michele di Francesco di Cioni (- 1488/10/07). Fue un escultor y pintor florentino. Nació en Florencia en 1435.
Trabajó como orfebre en el taller de Giuliano Verrocchio, de quien tomó el sobrenombre, también como escultor con Donatello, y como pintor conAlesso Baldovinetti. Fue director de una academia en Florencia que llegó a convertirse en el principal centro de arte de la ciudad. Entre sus alumnos estuvieron Leonardo da Vinci, Sandro Botticelli, Lorenzo di Credi y Peruggino.
OBRA:
DAVID (C. 1473-75), VEROCCHIO
Es célebre su David de bronce que se encuentra exhibido en el Museo del Bargello, en Florencia. Fue ralizado entre 1473 y 1475, de tamaño ligeramente menor que el de Donatello. La representación de David como un joven héroe triunfante sobre el gigante filisteo Goliat es un motivo recurrente en el arte del Renacimiento, quizás porque su figura fue considerada por los artistas muy adecuada para encarnar los nuevos valores humanistas. El joven pastor aparece representado con unos rasgos finos, elegantes y un tanto andróginos, al tiempo que muestra una expresión altanera y desdeñosa, como si se sintiera orgulloso de haber dado muerte a Goliat, cuya cabeza cortada yace a sus pies.
LUCA DELLA ROBBIA
Luca Della Robbia, escultor y ceramista italiano. Nació en Florencia en 1400 y murió en 1482.
Una de las últimas esculturas del repertorio de Giovanni Della Robbia titulada Visitar a los enfermos (una de las siete obras de caridad, según el catecismo católico) datada en 1525-1529, se puede contemplar en el Hospital del Ceppo de Pistote.
OBRA:
“LA RESURRECCIÓN” (1442-1445, TERRACOTA ESMALTADA)
La composición es ya totalmente Renacentista, con el eje central en la figura de Cristo y el tratamiento anatómico de las figuras que refleja claramente la influencia de los escultores más avanzados de su época.
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